La oscuridad gráfica en la ilustración urbana: Kraken


Esta nota es presentada por The Kraken Rum

La creación gráfica e ilustrativa del mexicano Ricardo García, mejor conocido como Kraken, se puede asimilar como una invitación: una mano que sale de la oscuridad y, seductoramente, te convence de explorar las emociones recónditas y profundas que socialmente no están bien vistas. El abismo, la soledad, la rabia y el enojo encapsulados en miradas furtivas de un imaginario de personajes que si bien, pueden parecer humanos o animales, en realidad se presentan como seres de una dimensión alterna donde ninguna emoción puede esconderse detrás de las palabras.

Atemorizantes y fascinantes sin discriminar ningún adjetivo, las producciones artísticas de Kraken conmueven como un choque, gritando con autoridad a quien se encuentra en una sala, reclamando la atención de todos los espectadores. Habiendo trabajado con artistas de reconocimiento mundial y local como Black Sabbath, Adanowsky, División Minúscula y Metallica, el mexicano se ha abierto un camino indiscutible dentro del imaginario urbano mexicano, en una mezcla que estéticamente convive la anarquía del punk con la ornamentación cargada de lo gótico. Logrando así, a final de cuentas, una producción a la que cualquiera puede rechazar, más nunca ignorar — como los murales de graffiti en espectaculares de la CDMX.

Platicamos con Kraken para conocer más sobre su producción, estética, motivos y trayectoria. Puedes leer la entrevista, abajo.

Kraken en su estudio, Buró Negro. Fotografía por Paulina Munive.

VICE: ¿Cómo fue el momento en el que decidiste dedicarte por completo a ser artista?
Kraken: Tal cual dedicarme a esto tuvo mucho que ver que estudié publicidad, yo creo. Originalmente apuntaba a la zona creativa de esta carrera, pero desde chico siempre he dibujado: toda la onda de los cómics, la música que escuchaba, las portadas de los discos, el skate, influyó muchísimo en mi desarrollo. Ya estando en la onda de la publicidad entré a trabajar a agencias, pero como diseñador. Hacer ese trabajo me permitió empezar a generar mi propio estilo y, al poco tiempo, hice mi propio colectivo que se llamaba E3, por ahí del 2005, 2006. Estaban Ciler, Smog, Uili Damage, etc. Era un colectivo multidisciplinario: había música, cosas interactivas, street art, donde yo hacía más esténcil y pegar carteles que pintar como tal. En ese entonces fue cuando ya comencé a poner el nombre de Kraken a modo de tag y como algo que representaba lo que estaba pintando.

Ahí en el 2006 pasó que gané, junto con otros, un concurso de Kid Robot, y eso me empezó a presionar para hacer mucho más trabajo. Banda de todo el mundo me pedía cosas y ya entre eso, el colectivo y la agencia para experimentar, me permitió seguir haciendo lo que me gustaba hasta el día de hoy. Ya más recientemente nace Buró Negro, después de 9 años en agencias, porque hubo un momento en el que sentí que las agencias ya no me podían dar nada a mí ni yo a ellas, y me salí. Ese mismo año que salí monté mi tercera exposición solista, y estaba viviendo prácticamente de ser artista. La cosa fue que me empezó a dar mucha ansiedad de seguir trabajando en lo que ya conocía, que era diseño gráfico y dirección de arte para marcas. Conocí a la gente de Kichink, a Claudio del Conde, que ellos montaron esa empresa y Puentes también y yo les llevaba la dirección de arte y así nace, para mí, este despacho de diseño: Buró Negro. Es padre porque hemos podido hacer cosas de los dos mundos: tanto cosas de arte y diseño como de publicidad.

Veo mucha versatilidad de medios y, de cierta manera, estilos en tu trabajo. ¿Me puedes contar sobre cómo usas éstos y tu proceso creativo?
Creo que depende mucho del concepto y cómo quieres que éste se exprese. Haber trabajado en una industria fría como la publicidad, a la vez de estar haciendo cosas personales, que sería el otro rango, me di cuenta de que, en realidad, el medio es una herramienta del concepto. No importa si es un mural, logo o serigrafía, sino cómo estos medios ayudan a que se transfiera el concepto de una mejor manera, más orgánica, para que pueda vivir mejor. Claro que hay cosas que si tienes proyectadas para ser impresas masivamente pues tienes que escoger un medio acorde, como sería la serigrafía, por ejemplo. El proceso para mí, en realidad, es muy estable porque siempre comienzo dibujando y ya después lo paso a digital. Aprendí al estilo del cómic: bocetar a lápiz, blanco y negro, y después decidir si irá con color o no.

Me llaman la atención seguido los ojos en tus obras: grandes, ausentes, cóncavos, penetrantes… ¿Me podrías contar qué significan para ti éstos?
Tengo una obsesión evidente por ellos, los ojos. Dentro de esta obsesión también ha sido un largo viaje de exploración. Como gráfico es una de las armas expresivas más fuertes que se tienen, siempre dicen demasiado con muy poco, y parte de lo que he hecho ha sido ver qué tanto necesita un ojo para expresar algo. Por eso a veces hay, luego no, unos con pupilas, otros huecos, pero todos tienen esta expresión de vida en muerte o muerte en vida; juego mucho con eso. Me gusta experimentar las temáticas de sensaciones medio oscuras: escenas de enojo, soledad, perdición, y lo utilizo mucho para usar las emociones que tengo o, más bien, para sacarlas. No es como que soy una persona triste ni enojada, pero lo uso como mi medio de escape. Con los ojos pasa que luego evito usarlos, pero siempre termino regresando a ellos. Creo que al final es una manera de entender al mundo y, a su vez, una manera de cómo el mundo nos entiende: la gente puede llegar a entenderte a través de tus ojos sin que digas nada y lo mismo viceversa. Es una manera de expresar cosas o de censurarlas, forzar lo callado.

¿Te parece que hay una intención de diversión detrás de la oscuridad visible de tu obra?
Parte de lo chido de todo el arte, en general, cualquier tipo de arte, es la apertura de la interpretación. Cuando comienzas a hacer piezas y las pones allá afuera, en ese momento, ya cómo la gente lo interpreta, cómo les llega y que emoción les causa, mientras genere algo dentro de ellos, está súper chido. Independientemente del tipo de sentimiento, sea repulsión, interés, atracción, fascinación, de vacío, curiosidad, o lo que sea. Es imposible dictar sobre las emociones e interpretaciones de los demás sobre tu obra. Todos venimos de puntos distintos, sociedades distintas, y es bien bonito e interesante ver qué opina la gente de lo que haces.

¿Cómo es tu aproximación cuando tienes que hacer un póster para un concierto, o el diseño de un álbum?
Llevo casi 10 años haciendo carteles de bandas –de hecho hace poco hice una exposición sobre ello. Así que creo, principalmente, que hay procesos base para llegar con las bandas creativamente: hay bandas que saben muy bien lo que quieren y lo que quieren de ti, te lo piden tal cual y no hay mucho proceso creativo detrás.

Otro es escuchar a la banda poniendo atención al concepto que traen y de alguna manera intentar hacer una referencia ilustrativa de ésta. en este caso luego siento que el arte gráfico sirve como un subtítulo de la música. ¿Cómo te puedo transmitir lo que el músico quiso decir sin usar un lenguaje que sea necesariamente el suyo? Es un idioma que quizás es mío y luego a la gente le gusta cómo interpreto la música: los escucho, leo los títulos de las canciones, del álbum, etc. He trabajado cosas para Jack White, Black Sabbath, Metallica, pero también para artistas como Ely Guerra, Pepe Aguilar, Carla Morrison.

Dime tres álbums y tres artistas visuales que consideras esenciales.
Álbums: Black Sabbath de Black Sabbath, es mi banda favorita. Boatman’s Call de Nick Cave y Antichrist Superstar de Marilyn Manson.
Artistas visuales: Goya, [Francis] Bacon y Tim Burton.

¿Qué es lo que más ha marcado tu estética en los últimos años?
Es una exploración, o algo que he estado buscando y me cuesta trabajo entender es que parte de lo que hago envuelve ser un boyscout del mundo oscuro. Es como ir, ponerte tu mochila, agarrar tus herramientas, buscar, ver, experimentar, hacer tus fogatas ahí, pero saber que siempre vas a regresar, que sales por un momento a buscar o explorar los mensajes que existen en ese mundo para poder expresar cosas que muchas personas no saben cómo hacerlo. Creo que lo que ha marcado mi trabajo es la exploración y que no se quede en íconos simples, expresiones que no nos son tan fáciles de decir o verbalizar. Entender que estar triste, enojado está bien y no todo es felicidad y, de nuevo, eso está bien. Me importa que mi trabajo se marque en la aceptación de todas esas emociones.

¿Un consejo para los artistas jóvenes de hoy en día?
Encontrar tu voz y estar trabajando, haciendo cosas; ser muy necio con lo que quieres hacer. Ser necio en los temas, en las cosas que quieres vivir y hacer para después plasmarlo. Yo pienso que sigo haciendo lo que hacía a los 14, solamente que hoy lo sé hacer mejor. Lo chido es vivir, salir, sentir y expresar y que no dependa ni de una moda, ni tendencia: haz lo que quieras hacer como quieras hacerlo. Representar las cosas como están en tu cabeza pero trabajando un chingo, como un oficio que tienes que practicar todos los días.


A partir del 3 de septiembre, Kraken te invita a crear una obra inspirada en “El Kraken”. Estarán recibiendo obras por dos semanas, y la revelación del ganador será el 17 de septiembre. Para más información, ingresa aquí.

Si quieres ver más obras de Kraken, síguelo en Instagram y Behance.

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